ПЛАН
1. Американская классическая музыка второй половины ХХ века: основные тенденции развития
2. Джон Кейдж
3. Сэмюэл Барбер
4. Филипп Гласс
Возможно вы искали - Доклад: Опера Дж. Россини "Золушка" (La Cenerentola)
5. Алан Хованесс
Список литературы
1. Американская классическая музыка второй половины ХХ века:
основные тенденции развития
В конце 50-60-х гг. музыкальное искусство в Америке стало субсидироваться более планомерно и целенаправленно - были созданы федеральные фонды (Национальный фонд искусства, 60-е гг.), фонды в некоторых штатах, муниципалитетах. Важное значение имеют фонды Форда, Рокфеллера, Фулбрайта. Продолжает функционировать и система меценатства. Формы музыкального искусства, не входящие в сферу коммерческих отношений, попадают в полную зависимость от дотаций этих фондов, которые, таким образом, определяют политику в области культуры (исполнение, издание, запись на грампластинки произведений многих американских композиторов, организация фестивалей современной музыки и пр.). В 50-е гг. в число ведущих композиторов США входят В. Персикетти, П. Меннин, Р.Л. Финни и другие авторы главным образом симфонических, камерно-инструментальных и хоровых сочинений. В творчестве большей части композиторов, работающих в это время, - Г. Кубика, Р. Уорда, Г. Бинкерда, Р. Келли, Б. Лииса - ощутимо пристрастие к неоклассицизму. Дж. Винсент, С. Эффинджер, У. Бергсма и др. тяготеют к использованию элементов фольклорного «американизма», Л. Кёрчнер, Дж. Рочберг, Э. Имбри, Н. Рорем используют серийную технику. Если до кон. 40-х гг. композиторское творчество США сохраняло в целом традиционный характер, то с 50-х гг. усиливаются экспериментальные тенденции. Так, для Дж. Кейджа, сыгравшего значительную роль в усилении тенденций авангардизма в США и др. странах, экспериментаторство становится основным принципом творчества, его «философией». Музыкальная деятельность Кейджа представляет собой серию экспериментов («Воображаемые пейзажи» №1–4, «4 мин. 33 сек.», концерт для фортепиано с оркестром и др.), приведших к утверждению роли случайного, «непреднамеренного» (indeterminacy), затем - к отказу от музыки как искусства вообще («антимузыка»). Экспериментаторство в области соноризма, также во многом связанное с древними религиозно-философскими концепциями, характерно и для творчества X. Парча (они отражены в его книге «Генезис музыки», 1949), который для исполнения своих сочинений, в т.ч. «Эдип», «Барстоу» и др., сконструировал ряд оригинальных музыкальных инструментов. Творчество О. Люнинга и В. Усачевского (часто работали в соавторстве) связано с электронной музыкой (их совместное сочинение «Рапсодические вариации» и др.). Творчество А. Хованесса, Л. Харрисона и Чу Вэньчуна свидетельствовало об усиливающемся интересе к внеевропейским культурам, особенно к азиатским, что во многом связано с интенсивной эмиграцией из Японии, Южной Кореи в 50-х гг., а также с гастролями многих музыкантов из стран Азии, в том числе Рави Шанкара, Али Акбар Хана (Индия) и др. Интерес к внеевропейским культурам способствовал дальнейшему развитию этномузыкологии (деятельность А. Ломакса, А. Мерриема, Б. Нетля, М. Худа, К. Уоксмена и др.). Среди опер 50-х гг. выделяются «Мощный Кейси» (1953) Шумена, «Ласковая земля» (1954) Копленда, «Обмененные головы» (по Т. Манну, 1954) П. Гленвилл-Хикс, «Бравый солдат Швейк» (1958) Р. Кёрки, «Ванесса» (1958) Барбера, оперы Робинсона, X. Вейсгалла и др. В 1950-е гг. среди американских композиторов возник интерес к камерной опере («Волнения на Таити», 1952, Бернстайна; «Сусанна», 1955, К. Флойда; оперы Л. Фосса, Л. Хойби и др.); появились также телеоперы («Амал и ночные гости», 1951, Менотти и др.). Открылись оперные театры (в Далласе, Сент-Луисе, Питсбурге, Санта-Фе), студии (ныне в США ок. 1000 оперных трупп); многие композиторы совместно с постановщиками и исполнителями экспериментируют в поисках новых форм взаимодействия со слушателями (часто это связано с вовлечением аудитории в действие спектакля). Музыка ведущих композиторов всё чаще стала исполняться в странах Европы и Лат. Америки. Международную известность приобрели среди крупнейших коллективов ансамбли «Pro musica» (художественый руководитель Н. Гринберг) и «Pro arte» (худрук Р. Адлер) в Нью-Йорке, а также камерные оркестры Бостона, Миннесоты (худ. рук. Д. Р. Дейвис), струнные квартеты (Джульярдский, Нью-Йоркский, Будапештский, квартет Козна и др.), духовой ансамбль Истменской школы, духовой бэнд Мичиганского университета, «Табернакл хор» из Солт-Лейк-Сити, хоры Р. Шоу, Р. Вагнера, позднее Г. Смита (большая часть из них выступала в СССР). Среди исполнителей: дирижёры (многие из них иностранцы, временно живущие в США) - Л. Маазель, Т. Шипперс, С. Одзава, М.Т. Томас, представители старшего поколения, приехавшие в 50-60-е гг. из других стран, - Р. Кубелик, Дж. Шолти, Э. Лайнсдорф, К. Краус, С. Скровачевский, З. Мета, П. Булез и др.; пианисты - Дж. Браунинг, Л. Пеннарио, Байрон Джайнис, X. Л. Ван Клиберн, М. Дихтер и др.; скрипачи - С. Харт, Дж. Силверстайн, Р. Зуковский, Ю. Фодор (многие из них - ученики скрипача-педагога И. Галамяна); виолончелист Л. Парнас; певицы - М. Доббс, Э. Феррелл, Б. Силс, Ф. Кёртин, Р. Питерс, Л. Прайс, А, Аддисон, М. Арройо, Г. Бэмбри; певцы - Р. Таккер, Дж. Хайнс и др.
Похожий материал - Доклад: Опера А. Г. Рубинштейна "Демон"
Музыка США 50-60-х гг. отличается разнообразием тенденций: В. Персикетти, П. Меннин, У. Бергсма и др. в целом развивают традиции неоклассицизма; Дж. Рочберг, Л. Кёрчнер, Э. Имбри, H. Рорем и др. часто пользуются серийной техникой, К. МакФи, А. Хованесс, Чу Вэнь-чун, X. Парч, P. Ярдумян и Л. Харрисон тяготеют к использованию элементов восточных музыкальных культур в сочетании с современными выразительными средствами. Одним из лидеров авангардизма в музыке США и других стран стал Дж. Кейдж, который ведёт опыты по расширению акустических возможностей музыки и пытается строить свои композиции в соответствии с принципами восточных религиозно-философских систем.
Высокий профессиональный артистический уровень американских коллективов и солистов способствует распространению музыки США в других странах. Среди симфонических оркестров (ок. 100) выделяются Нью-Йоркский, Бостонский, Филадельфийский, Кливлендский, Чикагский; с ними выступают и ими руководят У. Стайнберг, Дж. Шолти, P. Кубелик, 3. Мехта, П. Булез, Л. Бернстайн, Л. Мазель, С. Одзава, M. T. Томас и др. Существуют многочисленные студенческие и городские оркестры (ок. 1500), бэнды (известны ансамбли Истменской школы, Новоанглийской консерватории в Бостоне и др.). Лучшие инструментальные ансамбли – "Promusica", Бостонский камерный, Джульярдский квартет; хоры P. Шоу, Г. Смита; пианисты - Дж. Браунинг, Байрон Джайнис, В. Клайберн, M. Дихтер, M. Ван Чунг; скрипачи - P. Риччи, P. Зуковский, П. Цукерман; виолончелист Л. Парнас; певцы- P. Гуле, P. Таккер; певицы - M. Доббс, P. Питере, Л. Прайс; в числе солистов джаза - А. Тейтем, Д. Брубек, Э. Гарднер (пианисты), Дж. Колтрейн, Дж. Маллиген (саксофонисты), M. Роуч, А. Блэки (ударники) и др., певцы - X. Белафонте, T. Беннет, M. Торм, певицы - С. Boан, П. Ли, Д. Дей, Б. Стрейзанд, В. Карр.
В 60-е - сер. 70-х гг. музыка США представляет всё более усложняющуюся и противоречивую картину. Множественность форм и стилей, их нестабильность становятся характерными чертами муз. искусства и создают "неуправляемость" музыкальной культуры: рынок, потребитель диктуют свои условия, что приводит к снижению удельного веса жанров "серьёзной" музыки. Поиски новых средств выразительности ведут к экспериментированию как в области конструирования музыкальных произведений, так и в сфере освоения новых сонористических возможностей, которое затронуло творчество многих американских композиторов. Создаются электронные студии (главным образом при университах), где проводятся эксперименты, основанные на взаимодействии различных художественных средств ("мультимедии"). "Записанную музыку" (включение в ткань музыкального произведения различных шумовых, звуковых, электроакустических эффектов) используют В. Усачевский, Э. Браун и др.; "музыку случая", т. н. алеаторику,- Г. Брант, Дж. Крэм, Ч. Вуоринен; появляются композиторы-исполнители и импровизационные ансамбли (Л. Фосс, P. Шейпи, X. Фарберман); на синтезе "серьёзной" и джазовой музыки основано "третье течение" (Г. Шуллер, Л. Остин, О. Коулмен и др.); с сер. 50-х гг. ведутся опыты по программированию звуковых моделей с помощью компьютеров (композитор с математическим образованием M. Бэббитт и его последователи Л. Хиллер, M. Суботник и др., работающие с синтезаторами звука).
2. Джон Кейдж (1912–1992)
Джон Кейдж (Cage, John) – американский композитор и теоретик, чье вызывавшее немало споров творчество сильно повлияло не только на современную музыку, но и на целое направление в искусстве середины 20 в., связанное с использованием «случайных» элементов (алеаторика) и «сырых» жизненных феноменов. Кейдж вдохновлялся учением дзен-буддизма, согласно которому природа не имеет внутренней структуры, или иерархии явлений. На него оказали также влияние современные теории взаимосвязи всех явлений, развивавшиеся социологом М.Маклюэном и архитектором Б.Фуллером. В итоге Кейдж пришел к музыке, которая включала в себя элементы «шума» и «тишины», использовала естественные, «найденные» звучания, а также электронику и алеаторику. Плоды этих опытов не всегда можно отнести к разряду художественных произведений, но это как раз и согласуется с идеей Кейджа, по которой подобный опыт «вводит нас в самую суть той жизни, которую мы проживаем».
Очень интересно - Реферат: Опера Джузеппе Верди "Набукко" (Nabucco)
Кейдж родился 5 сентября 1912 в Лос-Анджелесе. Учился в Колледже Помоны, затем в Европе, а после возвращения в Лос-Анджелес занимался с А.Вейссом, А.Шёнбергом и Г.Кауэллом. Неудовлетворенный ограничениями, налагаемыми традиционной западной тональной системой, он начал создавать композиции с включением звуков, источниками которых были не музыкальные инструменты, а разные предметы, окружающие человека в повседневности, погремушки, хлопушки, а также звуков, порождаемых такими необычными процедурами, как, например, погружением вибрирующих гонгов в воду. В 1938 Кейдж изобрел т.н. подготовленное фортепиано, в котором под струны подложены разные предметы, в результате чего рояль превращается в миниатюрный ансамбль ударных. В начале 1950-х годов стал вводить в свои композиции алеаторику, используя при этом разного рода манипуляции с игральными костями, картами и Книгой перемен (И-цзин), древней китайской книгой для гадания. Другие композиторы и раньше эпизодически использовали «случайные» элементы в своих композициях, но Кейдж первым начал применять алеаторику систематически, сделав ее главным принципом композиции. Он также одним из первых стал использовать специфические звучания и особые возможности изменения традиционных звучаний, получаемые при работе с магнитофоном.
Три наиболее известные композиции Кейджа впервые исполнены в 1952. Среди них пресловутая пьеса «4’33"», представляющая собой 4 минуты и 33 секунды тишины. Однако тишина в этом произведении не равнозначна полному отсутствию звука, поскольку Кейдж, помимо прочего, стремился привлечь внимание слушателей к естественным звукам той среды, в которой исполняется «4’33"». «Воображаемый ландшафт № 4» (Imaginary Landscape № 4) написан для 12 радиоприемников, и здесь все – выбор каналов, мощность звука, продолжительность пьесы – определяется случайностью. Произведение без названия, исполненное в колледже Блэк-Маунтин с участием художника Р. Раушенберга, танцора и хореографа М. Каннингема и других, стало прототипом жанра «хэппенинг», в котором зрелищные и музыкальные элементы сочетаются с совершаемыми одновременно спонтанными, зачастую абсурдными действиями исполнителей. Этим изобретением, а также своей работой в классах композиции в Новой школе социальных исследований в Нью-Йорке Кейдж оказал заметное влияние на целое поколение деятелей искусства, усвоившее его взгляд: все происходящее может рассматриваться как театр («театр» – все, случающееся одновременно), и этот театр равен жизни.
Начиная с 1940-х годов Кейдж сочинял и исполнял музыку для танца. Его танцевальные композиции не связаны с хореографией: музыка и танец разворачиваются одновременно, сохраняя свою собственную форму. Большинство подобных композиций (в которых иногда используется декламация в «хэппенинговой» манере) были созданы в сотрудничестве с танцевальной труппой М.Каннингема, в которой Кейдж был музыкальным руководителем.
Литературные работы Кейджа, в том числе «Молчание» (Silence, 1961), «Год после понедельника» (A Year from Monday, 1968) и «Для птиц» (For the Birds, 1981), выходя далеко за пределы музыкальной проблематики, охватывают весь спектр идей, касающихся «бесцельной игры» художника и единства жизни, природы и искусства.
Кейдж умер в Нью-Йорке 12 августа 1992.
Вам будет интересно - Реферат: Опера П. И. Чайковского "Евгений Онегин"
3. Сэмюэл Барбер (1910–1981)
Сэмюэл Барбер (Barber, Samuel) – американский композитор, родился 9 марта 1910 в Уэст-Честере (шт. Пенсильвания). Начал учиться музыке в возрасте шести лет и уже на первом году обучения обнаружил признаки композиторского дарования. В тринадцать лет поступил в Музыкальный институт Кёртиса в Филадельфии, где в течение девяти лет занимался игрой на фортепиано, пением и композицией, а также брал уроки дирижирования у Ф. Райнера.
Во время Второй мировой войны Барбер служил в военно-воздушных силах США. В апреле 1945 он был избран почетным членом Мемориального фонда Дж.Гуггенхейма. В течение летних сезонов 1947 и 1948 являлся музыкальным консультантом Американской академии в Риме.
Среди сочинений, принесших Барберу мировую известность, можно упомянуть адажио для струнного оркестра, оркестровые эссе № 1 и № 2, Кэприкорнский концерт для флейты, гобоя, трубы и струнных (Capricorn Concerto), виолончельную и фортепианную сонаты (соната для фортепиано впервые исполнена Владимиром Горовицем). В опере «Ванесса» (Vanessa) раскрылся талант Барбера как музыкального драматурга.
Первая симфония была создана в Риме и исполнена там же под управлением Б. Молинари (1936); в 1937 сочинение прозвучало на Зальцбургском фестивале. Премьеру Второй симфонии провел в 1944 Сергей Кусевицкий с Бостонским симфоническим оркестром; под его же управлением в 1948 состоялось первое исполнение Летней музыки (Knoxville, Summer of 1915) для квинтета духовых, а в 1946 – виолончельного концерта.
Похожий материал - Реферат: Опера Джузеппе Верди «Корсар» "Эрнани" (Ernani)
Балет «Медея» (другое название Пещера сердца; Medea, Cave of the Heart), заказанный Барберу Мартой Грэхем, до сих пор пользуется наибольшей известностью среди его театральных композиций. Оркестровая сюита из этого балета впервые прозвучала в 1947 в исполнении Филадельфийского оркестра под управлением Ю. Орманди.
В 1964 Барбер получил заказ на оперу «Антоний и Клеопатра» (Antony and Cleopatra) по Шекспиру; в создании ее либретто композитор сотрудничал с режиссером Ф. Дзеффирелли. Премьерой этого произведения было ознаменовано открытие 16 сентября 1966 нового здания нью-йоркской «Метрополитен-опера».
В течение своей жизни Барбер получил множество премий и наград, в том числе дважды Пулитцеровскую премию (1958 и 1963): в первый раз премия была присуждена ему за оперу «Ванесса», которая одновременно получила и Премию критики; во второй – за фортепианный концерт № 1.
Экспрессивная природа музыкального дарования Барбера – в основном романтическая, лирическая. Именно поэтому в период творческого становления его не привлекла ни одна из «систем», возникших в музыке 20 в. – ни неоклассицизм Стравинского, ни атонализм, ни додекафония Шёнберга. Барбер предпочел им выразительные средства 19 в., и на этой основе рано сумел выработать технически совершенный стиль, главными признаками которого можно считать объективность и нейтральность.